PELÍCULA: CAMINO

Una preciosa y dulce niña de once años, vive sus últimos momentos en la habitación de un hospital. Rodeada de familiares, amigos, sacerdotes y un número inusitado de personal clínico, da a todos un casi sobrenatural ejemplo de muerte serena y feliz. En una atmósfera de santidad y cuando parece que la muerte es ya inevitable, ocurre algo extraordinario en la habitación.

Inspirada en hechos reales, Camino es una aventura emocional en torno a una extraordinaria niña de once años que se enfrenta al mismo tiempo a dos acontecimientos que son completamente nuevos para ella: enamorarse y morir. Camino es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella y que pretenden inútilmente sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.

Dirección
Javier Fesser

CINE RELIGIOSO

La importancia que la religión ha tenido en España a lo largo de toda su historia, no podía dejar de quedar reflejada en el cine, llegando a ser en los años cincuenta uno de los géneros que contaron con mayor favor del público, tanto en España como fuera de nuestras fronteras, y convirtiéndose una película de temática religiosa el primer gran éxito internacional, Marcelino, pan y vino, (Ladislao Vajda, 1955), basada en un relato de José María Sánchez Silva. Dentro de este género cabe distinguir varios subgéneros:

Religiosas

En este subgénero donde quedaría englobada la ya mencionada Marcelino pan y vino, se recogen películas donde mediante historias de ficción se trata de reflejar virtudes tanto religiosas como humanas. Suelen tratar de sacerdotes enfrentados al egoísmo de la sociedad en que viven o bien historias más o menos piadosas. De este subgénero destacaría sobre todo la película Balarrasa (José Antonio Nieves Conde, 1950), la historia de un hombre arrepentido que se convierte en sacerdote. También deben destacarse La mies es mucha (José Luis Sáenz de Heredia, 1949), sobre la vida de un misionero español en la India, y las obras de Rafael Gil La guerra de Dios (1953), donde un sacerdote debe luchar ante una sociedad avara y despiadada y El canto del gallo (1955), que narra las vivencias y vicisitudes de unos sacerdotes católicos perseguidos en un país comunista. Ya más tardío es el rodaje de Johnny Ratón (Javier Escrivá, 1969) cuyo protagonista —un desconocido actor llamado Robert Packer— profundamente ateo evoluciona y se transforma en un sacerdote que entregará su vida por el prójimo. Paradójicamente la película que terminaría por cerrar este género sería una nueva versión de la que le dio mayor fama, Marcelino, pan y vino, realizada en 1991 por Luigi Comencini.

Vida de santos

No fueron pocas las películas que se hicieron para reflejar las vidas de santos en el momento de mayor auge del genero religioso en España. Destacan Isidro, el labrador (Rafael J. Salvia, 1963), La Señora de Fátima (Rafael Gil, 1951) y especialmente Molokai (Luis Lucia, 1959) que contaba la historia de Damián de Veuster, el cual sería canonizado varias décadas después de la película. También cabe destacar la visión de Carlos Saura sobre la vida de San Juan de la Cruz en La noche oscura (1988), y las distintas versiones de la vida de Santa Teresa de Jesús, que van de Teresa de Jesús, (Juan de Orduña, 1962), hasta una afamada serie o Teresa, el cuerpo de Cristo, realizada en pleno siglo XXI, y no exenta de polémica al alejarse de la ortodoxia característica de este tipo de filmes.

Bíblicas

Exceptuando El beso de Judas (Rafael Gil, 1953), son pocas, y desde luego no dignas de mención, las películas españolas de esta temática.

CINE TAURINO

La fiesta nacional ha sido llevada al cine en un sinfín de ocasiones. En ocasiones, se trataba de adaptar al medio novelas de temática taurina, otras veces se han filmado guiones en los que se reflejaban desde los aspectos más tópicos hasta los más escabrosos de la «fiesta nacional» o bien la biografía de los toreros que en el momento de los rodajes contaban con mayor número de seguidores.

Basado en obras literarias habría que destacar Sangre y arena, si bien las mejores adaptaciones de la obra de Blasco Ibáñez se realizaron en Hollywood. La novela taurina adaptada al cine español por excelencia ha sido Currito de la Cruz, de Alejandro Pérez Lugín, quien dirigiría una primera versión cinematográfica —todavía sin sonido— a la que seguirán otras tres, ya sonoras. Debe mencionarse que también ha sido llevada al cine en cuatro ocasiones El niño de la monjas, novela de Juan López Núñez.

Películas como Sangre en el ruedo (Rafael Gil, 1969) o Los clarines del miedoAntonio Román, 1958) mostraban la dureza del mundo de los toros, desde el odio y la envidia de dos estrellas rivales en la primera de las película citadas, hasta la miseria de un torero de que malvive de su arte yendo de pueblo en pueblo. Empero, de estas ficciones no exentas de realismo, debe destacarse Tarde de torosLadislao Vajda, 1956) en la que se recogen numerosos aspectos de la fiesta nacional, contraponiendo los caracteres de tres diestros (el consagrado, el ídolo del momento y el principiante), así como otros caracteres secundarios: el crítico taurino, los aficionados seguidores de cada matador...

Por último, en el apartado de biografías cinematográficas de toreros, deben destacarse Aprendiendo a morir (Pedro Lazaga, 1962), protagonizada por Manuel Benítez "El Cordobés", Nuevo en esta plaza (Pedro Lazaga, 1966) sobre la vida de Sebastián Palomo Linares y El Litri y su sombra (Rafael Gil, 1960), quizás la más ambiciosa de todas, porque no se limita a contar exclusivamente la vida del torero, sino que también se detiene en sus antecedentes taurinos familiares. Belmonte (Juan Sebastián Bollaín, 1995) y Manolete, aunque no interpretadas por los propios biografiados sino por actores, son encuadrables en este apartado.

EL CINE, DE MANUEL PACHECO

Las imágenes envueltas en las pave­sas de las palabras caen sobre el lienzo desnudo y las miradas se convierten en manos que penetran en los objetos, los paisajes y las habitaciones donde se vive la muerte de los días. El rostro adquiere una luz que des­nuda los impulsos interiores, y todo el cuer­po abre sus poros al amor, al odio, a la cruel­dad, a la ternura, al llanto, a la risa, al terror y a la angustia. El cine aplica la magia de la poesía sobre la sábana de los sueños y si ha saltado las barreras del entretenimiento para convertirse en un arte, ha sido gracias a las investigaciones que en la realidad pura del ser y las cosas han hecho sus grandes di­rectores, que son, sin ningún género de duda, poetas de la imagen. El cine, en el puro sentido de amplitud que tiene esta palabra, se acerca mucho al poema. Un ejemplo de cine poema lo tene­mos en El perro andaluz de nuestro genial Buñuel. En esta película, las imágenes rom­pen todas las barreras que la realidad no real de lo cotidiano tienen estructuradas. Norman Mac Laren, con sus mini­películas algunas de cinco minutos de duración , ha intentado con gran éxito lle­gar al Cine Puro. El cine cine respeta al espectador, no le da píldoras para dormirlo en la angustia de su existir, ni le hace cosquillas para que se ría; el cine cine lo enfrenta con la rea­lidad pura, lo hace responsable de lo que está viendo y lo compromete a realizarse en la verdad. El espectador deja de ser un simple espectador y se convierte en un recreador del film que está viendo. Ver ese cine es como leer un poema, sin el esfuerzo que cuesta casi siempre penetrar en la poesía.

LA MÚSICA: ELEMENTO INDISPENSABLE EN EL CINE

POR LLEANA GONZÁLES

Desde los tiempos del cine silente (cuando un pianista, a oscuras, matizaba con mayor o menor intensidad lo que ocurría en la pantalla) la música se ha incorporado a la cinematografía como un personaje más.

Componer específicamente una partitura para cine, a fin de crear sentimientos y acentuar atmósferas, es siempre una labor que exige sensibilidad y talento. Acoplar la música a las imágenes requiere una capacidad muy especial por parte del creador para interiorizar las emociones que el realizador pretende provocar en determinados momentos del argumento cinematográfico.

La banda sonora de un filme tiene que reforzar, con sus efectos, las intenciones de cada secuencia, sea con orquestaciones con ritmos diferentes o incluso con el recurso de los silencios. Esa es la clave para que la simbiosis sea eficaz.

Un realizador puede recurrir a música no concebida originalmente para una obra cinematográfica, o solicitarla por encargo. En este último caso el compositor ha de trabajar en estrecha comunión con el director, para explorar en cada momento del guión y hallar así la fórmula que permita conjugar armoniosamente las imágenes con la música.

En Cuba hay una serie de compositores que se han vinculado al cine, sea al de ficción o al documental. Son músicos valiosos y versátiles, intuitivos y sensibles, capaces de conseguir una especialización en ese ámbito. Sobre ellos recae la responsabilidad de que la relación cine-música fluya sin tropiezos, las imágenes sean más convincentes y se refuerce la ilusión de realidad planteada por el argumento.

La música es un ingrediente indispensable en el cine, y los Festivales de La Habana han dedicado buena parte de su programación en estos 20 años, a destacar cuánto aportan al séptimo arte tantas partituras o intérpretes inolvidables. Por apenas citar dos casos recordemos cómo hace 6 años, la Orquesta Sinfónica Nacional, conducida entonces por Zenaida Castro Romeu, ejecutó temas compuestos por José María Vitier para la película El siglo de las Luces, de Humberto Solás, deslumbrantes por su gran peso dramático y porque se advertían en ellos rasgos de la época descrita, sin soslayar los timbres caribeños.

En este vigésimo Festival (1998) también la Orquesta Sinfónica Nacional ha tenido un peso importante, al ejecutar obras emblemáticas compuestas para el cine.

Cuando se hable de un trabajo de composición de música para cine, el nombre del maestro Leo Brouwer resulta insoslayable. En la ceremonia de inauguración de este Festival de Cine Latinoamericano volvieron a escucharse sus composiciones para los filmes Lucía, Cecilia, Un día de noviembre, No hay sábado sin Sol y el documental Lam. Indudablemente, son trabajos que demuestran una experiencia singular para comunicar y sugerir ideas y sentimientos, mediante sonoridades que trasmiten esencias de momentos históricos diversos.

Con su sólida formación el maestro Leo Brouwer, fundador de la Escuela Cubana de Guitarra, ha enriquecido muchas obras del cine cubano.También otros compositores lo han hecho, como los hermanos Vitier, Carlos Fariñas, Juan Formell y Edesio Alejandro, por citar algunos.

EL CINE INFANTIL EXPLOTA LOS GRANDES ÉXITOS DEL GÉNERO

A los niños les encanta escuchar un cuento una y otra vez. Las productoras cinematográficas lo saben y no suelen arriesgar demasiado a la hora de satisfacer al público infantil. Las novedades que llegarán a las carteleras españolas en el 2004 se apoyan, en su mayoría, en clásicos de la literatura infantil. Es el caso del Pinocho , de Roberto Benigni; del Peter Pan de PJ Hogan, y de La vuelta al mundo en 80 días , de Frank Coraci. Sino son segundas o terceras entregas de filmes de éxito, como Harry Potter y el prisionero de Azkabán , Shrek 2 y Scooby-Doo 2 . Las películas innovadoras, como El niño que quería ser un oso , del danés Jannik Hastrup, siguen siendo excepciones. El cine con pantalones cortos es desde hace pocos años un fenómeno y un gran negocio, sobre todo en las épocas de vacaciones escolares. A pesar de que las críticas no le apoyaron, Cat in the hat (El gato en el sombrero), basada en un cuento del Dr. Seuss muy conocido en ámbito anglosajón, lideró el ránking de EEUU a finales de noviembre del año pasado, durante su primera semana de exhibición. NIÑOS ABURRIDOS El Dr. Seuss, sobrenombre de Theodore S. Geisel, es autor del guión de la fantástica película de 1953 Los 5.000 dedos del Dr. T e inspirador de El Grinch , reciente filme en el que destaca el camaleónico Jim Carrey. Cat in the hat tiene previsto su estreno en España el 7 de abril, como preludio de la Semana Santa. Bo Welch eligió esta historia publicada en 1957 para su debut en la realización. Alec Baldwin y Mike Myers protagonizan esta entrañable historia sobre un gato que cambia la vida de los niños aburridos. La vuelta al mundo en 80 días es la última película de Arnold Schawarzenegger previa a sus compromisos políticos. El actor es el príncipe Hapi en este filme de presupuesto astronómico, 110 millones de dólares. Peter Pan es una nueva adaptación del cuento de Sir James Barrie llevado al cine de animación por Walt Disney en 1953 realizado por Hogan, director de La boda de Muriel . El director mexicano Alfonso Cuarón se enfrenta a la tercera película basada en un libro de J. K. Rowling. La trama introduce el tema de la traición, personificada en alguien cercano al protagonista. Harry Potter y el prisionero de Azkabán , que ficha a Gary Oldman, Michael Gambon y Emma Thompson, llegará a las pantalla el 28 de mayo. Pinocho , la esperada película de Roberto Benigni, se retrasa dos años desde su estreno en Italia. En el 2004, le toca el turno a los osos. Disney recupera a Phil Collins, autor de la banda sonora de Tarzán , para Hermano oso . Sin embargo, la auténtica joya proviene de Dinamarca. El niño que quería ser oso es una animación sobre una pareja de osos polares que sustituye a su cría muerta por un niño recién nacido.

EL CINE MUDO

HISTORIA DEL CINE MUDO

El cine es la técnica de proyectar imágenes sucesivamente a intervalos regulares, con la intención de crear la ilusión de movimiento. El cine mudo es el no posee sonido de ninguna clase, consiste simplemente en imágenes. Desde los comienzos se buscó combinar imagen y sonido grabado, pero recién a fines de la década de los 20 se generalizó el cine sonoro. El sistema para introducir el sonido en el cine es el Vitaphone. El primer largometraje sonoro fue “El cantante de jazz”.
NACIMIENTO DEL CINE MUDO

La primera película de cine mudo fue “El jardín de Roundhay”, de Louis Le Prince (1888). Su duración era dos segundos y mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange.A fines de la década del 20, el cine alcanzó la madurez. Los expertos sostienen que la calidad del cien bajó cuando se introdujo el cine sonoro, y que le tomó varios años recuperarse. La calidad visual de las películas en los años 20 era muy alta.

Para complementar la falta de audio, se ideó un sistema de subtítulos agregados, mediante los cuales se añadían los diálogos. Surge entonces el escritor de títulos (como se llamaba en la época) como un profesional de la época muda y tomó una importancia equiparable con la del guionista. Los títulos tomaron importancia, convirtiéndose en elementos gráficos que ofrecían decoraciones de avance sobre la película.

La proyección de las películas mudas estaba acompañada pro música en vivo, por lo general, improvisada por un pianista o ejecutante del órgano. Se comprendió muy temprano la importancia de la ambientación musical.

Los pueblos pequeños tenían un piano para acompañar las proyecciones. Pero las grandes ciudades tenían su órgano, o incluso una orquesta completa, la cual podía ejecutar algunos efectos sonoros.

De los órganos de teatro, el famoso Rudolph Wurlitzer Company, podía simular sonidos de orquesta, entre otros. En ocasions, había un narrador que describía lo que iba ocurriendo.

Los actores mudos solían improvisar sus diálogos. La música de las películas mudas fue compilada en la Música de Photoplay, integrada por el pianista, el ejecutante del órgano, el conductor de orquesta o el estudio, los que enviaban las partituras junto con las películas. Aquí surge la composición de temas especiales para películas.

El cine mudo se convirtió en la principal fuente de empleo de los músicos de esa época, lo que acabó cuando apareció el cine sonoro.

Resumén de la película MAR ADENTRO (Alejandro Amenábar)

Ramón Sampedro decidió morir. Después de estar 28 años postrado en una cama dependiendo de los demás para todo, decidió que lo mejor era quitarse la vida. Consideraba que su estado no era digno, y deseaba morir con la dignidad con la que no pudo vivir.

Alejandro Amenábar nos cuenta la historia real de Ramón, un hombre que decidió quitarse la vida porque pensaba que en su estado no era digno seguir viviendo. Este gallego es interpretado por Javier Bardem, posiblemente en el mejor papel que ha interpretado hasta ahora. Belén Rueda en su primera película interpreta a Julia, la abogada que ayudó a Ramón a lograr su objetivo y Lola Dueñas (Días de Fútbol, Hable con ella) da vida a Rosa, una mujer gallega que conoce a Ramón y no puede evitar sentirse atraída por él.

Mar Adentro plantea a cada espectador la cuestión de la eutanasia. En nuestro país este tema siempre ha estado vigente y no exento de polémica, y posiblemente Mar Adentro reavive aún más este debate. La pregunta que Mar Adentro nos propone es si nuestra vida pertenece a nosotros, y si somos nosotros los que podemos elegir qué hacer con ella.

Ramón lleva 28 años en una cama. Quedo tetrapléjico desde el cuello hacia abajo al tirarse al mar desde un acantilado. Su vida se desmoronó desde ese momento. Después de 28 años en ese estado el único tema que ocupa su mente es la muerte, y desde aquel fatídico día desearía

que su accidente hubiera sido mortal para no tener que vivir así. Su única ventana al mundo es la de su habitación, pero esto no es suficiente para un hombre que disfrutó al máximo de la vida hasta el momento de su accidente.

Amenábar aprovecha la situación de Ramón para retratar a la gente que le rodea. Nos muestra qué piensa cada miembro de su familia, y también el mundo que les rodea. La excelente fotografía de Javier Aguirresarobe ayuda mucho a la historia. Nos muestra la belleza de Galicia desde la habitación de Ramón, y a la vez Amenábar, prácticamente sin salir del caserón donde vive Ramón con su familia, nos muestra el carácter gallego de una familia humilde a la que le ha tocado pasar un calvario.

Mar Adentro se mantiene en pie gracias al dúo Bardem – Amenábar. La imagen de Javier Bardem muestra el excelente trabajo de caracterización de Mar Adentro. Cinco horas de maquillaje diarios le daban el 50% del personaje, el otro 50% sale del talento de Bardem y de la magia de Amenábar. Pero sin el excelente trabajo del resto de actores Mar Adentro no se convertiría en una de las mejores películas del cine español. Belén Rueda está excelente interpretando a su abogada, Julia, que conforme va transcurriendo la película se va dando cuenta de qué siente Ramón y porqué quiere quitarse la vida. Lola Dueñas interpreta a Rosa, una mujer marcada por la vida, que conoce a Ramón gracias a un reportaje. Ambas mujeres se sienten atraídas por la alegría que transmite Ramón, que a la vez choca con su situación y con la idea que tiene de acabar con su vida. Aunque son muchos más los actores que ponen su granito de arena para que Mar Adentro sea una gran película, me gustaría destacar a Mabel Rivera interpretando a Manuela, la cuñada de Ramón, que cuida de él como si fuera su propio hijo, y a Tamar Novas, que interpreta a Javi, el sobrino de Ramón que también permanece a su lado y pendiente de él siempre que lo necesita. Parece que ambos personajes viven aislados del mundo en ese caserón gallego, pero no por eso pierden esa humanidad que les distingue del resto de personajes que forman la familia de Ramón.

En mi opinión la gran baza de esta película está en la dirección y en los actores que dan vida a los personajes. Tratar un tema como el que se trata es complicado, pero se hace con tal humanidad y respeto que consigue su objetivo: hacer reflexionar al espectador. Ha sido un acierto no centrar la película en cuestiones legales, ya que se habría hecho mas pesada. En cambio, Amenábar decidió centrarse en el lado mas humano, con el objetivo de que el espectador sienta durante la proyección lo que siente Ramón. La muerte siempre ha sido un tema constante en las películas anteriores de Alejandro Amenábar, y en esta ocasión sigue hablándonos de ella, pero desde una perspectiva muy distinta a sus tres películas anteriores (Tesis, Abre los ojos y Los otros).

Como suele ser habitual en sus películas, la banda sonora está compuesta por el propio Alejandro Amenábar, aunque esta vez se ayuda de temas de música clásica. Según palabras del propio director, nadie mejor que él sabe lo que quiere transmitir con la película, y por eso Amenábar compone su propia música. Tanto en las escenas dramáticas como acompañando a los preciosos paisajes gallegos, la banda sonora de Mar Adentro tiene un marcado estilo celta, y cumple con su objetivo: acompañar y ‘ayudar’ a la narración de la historia de Ramón. Es el medio del que se sirve el director para darle ritmo a su película.

En resumen, Mar Adentro es una película que provoca sentimientos en el espectador. Es posible que se entre en el cine con una opinión y se salga dudando, o con una opinión distinta. Ese es el objetivo de la película. Posiblemente estemos ante la mejor película española de este año, y es otra muestra del gran talento de Amenábar. Bardem también hace un trabajo excepcional caracterizando a Ramón Sampedro, al igual que el resto de actores con papeles menores; y es que Mar Adentro es una película de actores y director, una película sin artificios ni efectos especiales. Mar Adentro se mantiene únicamente por el talento de la gente que trabaja en ella, y por la emotiva historia que trata.

Biografia de Alejandro Amenábar

Aunque Alejandro Amenábar nació el 31 de marzo de 1972 en la capital chilena, sólo residió en su ciudad natal hasta agosto del año siguiente, cuando sus padres, dos semanas antes del golpe de estado de Augusto Pinochet, decidieron emigrar a España y se instalaron en Madrid.

Con el año y medio de edad que tenía al dejar Chile, el conocimiento de su tierra tuvo que formarse a través de las referencias, el acento y las costumbres de sus mayores. Estos y otros indicios de su identidad, que cobraron formas más definitivas en sus posteriores viajes a Chile para presentar sus películas, hicieron que mantuviese su doble nacionalidad, no obstante sentirse y declararse español. Y si bien parece poco probable que haga cine político, dado el estilo de su filmografía, no descarta rodar en el futuro una película sobre aquellos funestos acontecimientos que cambiaron la historia de su país el 11 de septiembre de 1973.

Apasionado por las imágenes, más que por los juegos infantiles, el niño Amenábar ocupaba su tiempo libre entre cintas de vídeo. Vio decenas de veces su película favorita, 2001: una odisea del espacio (1968), de Kubrick, algo que seguramente lo vincula a algunos compañeros de generación, aunque en su caso existía una peculiaridad: para Amenábar, las imágenes eran indisolubles de la música de fondo.

Una apreciación que le aficionó a las bandas sonoras, lo convirtió en coleccionista y le orientó más tarde a la composición musical y a la convicción de que, si no fuera director de cine, sería músico. De hecho, con su Macintosh, un secuenciador multipistas, un teclado, una mesa de mezclas y varios sintetizadores ha compuesto la música no sólo de todas sus películas sino también de Nadie conoce a nadie, de su amigo Mateo Gil, y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda.

LA NOCHE DE LOS GIRASOLES

Dirección y guión: Jorge Sánchez-Cabezudo.
País: España.
Año: 2005.
Duración: 100 min.
Género: Drama.
Interpretación: Carmelo Gómez (Esteban), Judith Diakhate (Gabi), Celso Bugallo (Amadeo), Manuel Morón (Vendedor), Mariano Alameda (Pedro), Vicente Romero (Tomás), Walter Vidarte (Amós), Cesáreo Estébanez (Cecilio), Fernando Sánchez-Cabezudo (Beni), Petra Martínez (Marta).
Producción: Enrique González Macho.
Música: Krishna Levy.
Fotografía: Ángel Iguacel.
Montaje: Pedro Ribeiro.
Dirección artística: Diego Modino y Alberto Sánchez-Cabzudo.
Vestuario: Silvia García-Bravo

La noche de los girasoles supone el debú en la dirección de Jorge Sánchez-Cabezudo que es el autor de la historia.
Sin ser una película perfecta, ni mucho menos, La noche de los girasoles, tiene una serie de elementos que la hacen recomendable, ya que nuestro cine no puede alardear precisamente de ofrecer un buen número de películas de calidad cada año.

Nos encontramos ante un “drama rural” revestido con la apariencia de “thriller“, donde varias historias independientes se van engarzando, formando un puzzle cuyo resultado, lejos de ser solo aparente, tiene cierto calado.

La película arranca con el cadáver de una mujer que aparece entre un campo de girasoles. Luego vemos a un viajante de aspiradoras con cara de vicioso que intenta sin éxito violar a una mujer de nombre Gabi, en un bosque, a las fueras de un pueblo, a la que pilla por sorpresa.

Esa violación fustrada supone el motor de la historia, la base sobre la cual se edificará todo la historia, preñada de casualidades nefastas y malentendidos, lo que hace que cada maldad lleve aparejada otra peor, como si el el hecho de empezar con mal pie, supusiera andar una senda en la que ya no hay marcha atrás.

A un pueblo de la ciudad de Ávila, llega Esteban, profesor de universidad y espeleólogo y Pedro, el fotógrafo, a fin de analizar una cueva que un lugareño ha descubierto al azar, con la idea, así expresada por el alcalde, de que lo que la cueva albergue en su interior sea algo parecido a la de Altamira y suponga un revulsivo turístico para la zona. La cueva luego jugará un papel importante en la historia.

Cuando Estebán y Pedro tras comprobar que la cueva poco o nada tiene de interés se encaminan hacia el coche, oyen voces y es cuando ven a Gabi atemorizada, sollozando, con sangre en el rostro y media desnuda. El violador, al oir las voces de sus compañeros se da a la fuga antes de su llegada.

Luego un malentendido: tomar a un hombre por otro, hace que se masque la tragedia y luego la falta de valentía y un guardia civil, Tomás, que quiere dejar el cuerpo, a su mujer y comenzar una nueva vida con una pequeña fortuna, será el usurero “genio de la lámpara” que les permitirá cumplir deseo: que lo que ha ocurrido nunca hubiera pasado. A veces las autoridades son todo menos “competentes”.

Pero nos encontramos con Amadeo “el caimán”, también guardia civil, suegro de Tomás que es más listo que el hambre y que huele que en la desaparición de Cecilio, un hombre que vive solo en una aldea, hay algo turbio, soterrado, que tiene que ver con Tomás y con los espeleólogos. No doy más detalles porque entonces destripo la película.

La fotografía obra de Ángel Iguacel, le da a la película el cromatismo requerido, ese revistimiento de cine negro, que alimenta este thriller.

La película hubiera tenido más fuerza y mayor impacto de haberla comprimido más, condensando la duración en los noventa minutos, pero esto un mal menor, para un película original, sugerente, que crea tensión y hace de la imprevisibilidad su aliado para conducirnos por la negra noche, mostrándonos el rostro del “infortunio”, con unas buenas interpretaciones, a destacar Carmelo Gómez y Cesar Bugallo, un nuevo rostro a tener en cuenta, el de la sensual.

Biografia de Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar iniciou sua atividade artística na área do teatro e do movimento vanguardista, em contato com as correntes artísticas alternativas do momento, nas quais ingressou por afinidade e com uma visão cinematográfica pouco usual. Transformado em estandarte da Movida Madrileña (movimento de renovação cultural lançado em Madri após a morte do ditador Francisco Franco), de 1974 a 1978 realizou filmes em Super 8, seu primeiro longa-metragem. Fazia a sonoplastia no momento da projeção. Sua carreira começou realmente com Pepi, Luci, Bom (1979-1980), ponto de partida definitivo do estilo Almodóvar, tanto na forma como no conteúdo. Nesse filme já aparecem todos os elementos característicos dos trabalhos seguintes (Labirinto de Paixões, 1982; Maus Hábitos, 1983; Que Eu Fiz para Merecer Isto?, 1984; Matador, 1986; A Lei do Desejo, 1986), que já estavam persentes em alguns de seus curtas-metragens: os irmãos, a mulher, as donas-de-casa, as relações conjugais turbulentas, a moça supermoderna, os anúncios, a música, as fotos, as janelas, os movimentos de câmara extravagantes, a paisagem urbana (Madri), os ambientes kitsch, a amizade entre mulheres, a homossexualidade, a transexualidade, a depravação, o absurdo ao estilo de Luis Buñuel. Em Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (1988), rompeu um pouco com seu cinema anterior, mas de um modo coerente: abandonou o frívolo e o miserável e passou para o sofisticado e elegante, sem deixar de ser ele próprio, como continuou a demonstrar em filmes como Ata-me (1989), De Salto Alto (1991), Kika (1993), A Flor do Meu Segredo (1995) ou Carne Trêmula (1997). Almodóvar transformou-se no mais popular cineasta espanhol e com maior projeção internacional, ainda mais depois de Tudo sobre Minha Mãe (1999), que lhe deu o Oscar de melhor filme estrangeiro.

VOLVER ( Almodóvar)

Esta peli relata en la historia de dos hermanas, Raimunda (Penélope Cruz) y Sole (Lola Dueñas). La primera es una madre joven, que se mata a trabajar para sacar adelante a su familia, compuesta por una hija adolescente (Yohana Cobo) y un marido con más ganas de beber, ver el fútbol y espiar a su hija mientras se cambia que de ir 'al tajo'.

El arrojo de Raimunda choca con el carácter apocado de Sole, la mayor de la hermanas. Su marido la abandonó, y desde entonces su vida transcurre entre tintes y secadores, en la peluquería ilegal que alberga en su casa.

Ambas son huérfanas desde que sus padres perecieran en uno de los tan habituales incendios que se registran en su pueblo natal, situado en La Mancha, siempre arreciado por el viento solano, que no sólo aviva los fuegos, sino que también provoca un elevado índice de locura entre los lugareños.

Tal vez éste sea el motivo de que muchas vecinas, entre ellas Agustina (Blanca Portillo), prácticamente un miembro más de la familia, aseguren haber visto a Irene, la madre de Sole y Raimunda, o más bien su fantasma, que habría regresado del más allá para ocuparse de la tía Paula (Chus Lampreave).

La muerte de Paula sorprende a Sole y Raimunda en Madrid. Pese a ser un auténtico mazazo para esta última, que la quiere como a una madre, no acude al duelo por tener que ocuparse de un asunto de fuerza mayor: deshacerse del cadáver de su marido, que en un intento de violar a la hija Raimunda lo amenaza con un cuchillo, pero el piensa que la chiquilla no lo va a atacar, pero zas, le mete el cuchillo y lo mata. Cuando la mama llega lo ve, y decide esconder el cadaver. Para esto le cuenta que el no era el verdadero padre, y que su verdadero padre habia muerto.

De modo que será la temerosa Sole la que viaje al pueblo para ocuparse de todo, y, de regreso a Madrid, se percatará de que se ha llevado algo más que los recuerdos de su tía: en el maletero del coche se ha colado el fantasma de su madre. Lejos de cuestionar lo que está sucediendo, y obligada a convivir con tal ente, Sole no dudará en poner a su madre a trabajar en la peluquería, haciéndola pasar por una vagabunda rusa.
La muerte, siempre presente
Pero resulta que la madre no es un fantasma, lo que pasa es que realmente no murió, pero como toda la gente del pueblo penso que ella habia muerto, se hizo pasar por muerta, sobre todo porque ella misma habia propiciado la muerte de su marido y la de su amante, que era la mamá de Agustina, pero agustina no sabia si su madre habia muerto y le pide a Raimunda, como un ultimo deseo, pues estaba enferma de cancer, que le preguntara a su mamá si sabia si la madre de Agustina estaba muerta o viva, porque ella ( AGustina), sabia que el papa de Raimunda y su mamá se entendian.

La mamá de Raimunda sufria mucho por el desamor de su hija Raimunda, pero es que Raimunda llevaba en su corazon el odio a su padre, porque este abuso de ella, y la hija es del padre, o sea que ser su hija y su hermana.

Al final la mamá "se le presenta" a Agustina, porque ella si pensaba que era un fantasma, y le dice que la va a cuidar hasta que se muera (la "aparecida" se siente responsable por AGustina x q fue ella quien provoco el incendio que mato al marido y a la amante)

Y es que la muerte es uno de los temas centrales de 'Volver'. Una muerte que se asume con enorme naturalidad, que se espera e incluso parece anhelarse, a juzgar por el esmero y cuidado con el que muchos en el pueblo cuidan su futura tumba.

Sinopisis

Dos niños, Ignacio y Enrique, conocen el amor, el cine y el miedo en un colegio religioso a principio de los años 60. El Padre Manolo, director del colegio y su profesor de literatura es testigo y parte de estos descubrimientos.Los tres personajes vuelven a encontrarse dos veces más, a final de los años 70 y en el 80. El reencuentro marcará la vida y la muerte de alguno de ellos.

El cine como diversión y como vehículo ideológico

Durante muchos años el cine ha sido el entretenimiento popular más multitudinario de nuestra época. A diferencia de los demás espectáculos (teatro, conciertos, deportes, etc.), las películas tienen la virtud de la repetición uniforme, y prácticamente indefinida. Aunque la difusión mundial de los filmes ha podido equipararse a la de las obras literarias, el cine tiene una característica distinta de la literatura, pues ésta precisa la traducción a otros idiomas, mientras que la imagen animada – fundamento esencial de la cinematografía – es siempre invariable, y no influyen en ella los necesarios subtítulos o doblajes. En esto aspecto la difusión uniforme del cine tiene más semejanza con la pintura y la fotografía. Y así como la vida real imitó a los cuadros en las diversiones sociales del siglo XVIII (cuadros plásticos, tableaux vivants), en el cine son ahora los cuadros los que imitan ele movimiento de la vida. (moving pictures).
El cine, que nació como espectáculo de feria, es un arte especial, pues su dependencia del binomio industria-comercio es absoluta. Su característica de espectáculo y diversión ha sido constante en los setenta y cinco años de vida del séptimo arte. Y desde que las vicisitudes de la Guerra Europea trasladaron el centro del cine a Norteamérica, la producción cinematográfica de Hollywood abasteció con creces el mercado del entretenimiento mundial hasta la crisis de 1948. Esta crisis de público, motivada por la competencia de la televisión y los variados incentivos del boom económico, sobrevino junto con una nueva conciencia de las posibilidades del film como portador de mensajes políticos o sociológicos. El empleo del cine como medio de instrucción militar y como propaganda de guerra abrió la pantalla nuevas direcciones, tan atrayentes como delicadas.
Mariano del Pozo